Александрина Шаклеева
Нет, речь пойдет не о Чехове, Стриндберге, Ибсене и Метерлинке. Мы поговорим о другой новой драме. Той, что создали Василий Сигарев, Иван Вырыпаев и Юрий Клавдиев. Это два разных и в то же время схожих направления. Первый остался в конце XIX – начале ХХ века, второй живет здесь и сейчас. Объединяет таких далеких друг от друга драматургов одно: они изображали и продолжают изображать социальную действительность такой, какая она есть на самом деле. Без прикрас и ужимок.
Любимовка или Ройал-Корт?
С чего началась новая драма, сказать точно никто не может. Но из множества вариантов исследователи выделяют два наиболее вероятных.
Одни считают, что новая драма берет начало с «Любимовки».
«Любимовка» – это фестиваль молодой драматургии, созданный как независимый некоммерческий коллективный проект российских драматургов. Это крупнейший драматургический фестиваль в стране. Здесь впервые прочитали пьесы Алексея Слаповского, братьев Пресняковых, услышали знаменитый «Пластилин» Сигарева.
Другие связывают появление новой драмы с лондонским театром «Ройал-Корт» и именем Сары Кейн.
Сара Кейн была поэтом. Но всегда интересовалась театром, благодаря чему начала писать пьесы сама. Но по композиции ее работы продолжали напоминать стихотворные тексты.
В 1995 году она закончила свою первую драматургическую работу – Blasted – «Подорванные», или «Взорванные». В скором времени ее поставили в «Ройал-Корте». С этого спектакля начался новый жанр, благодаря откровенности, натуралистичности, даже скандальности получивший название «Прямо в лицо». Буквально его можно воспринимать как вербатим, начало документального театра.
Следом за «Подорванными» появились «Очищенные» и «4.48 Психоз». Скажем так, обе они не подходят для спокойного вечера в приятной компании. Если коротко, пьеса «Очищенные» о студенческом общежитии, в котором произошло нечто страшное, после чего оно превращается в тюрьму, где пытают людей.
«4.48 Психоз» Сара Кейн пишет, лежа в психиатрической клинике. Эта пьеса считается ее предсмертной запиской. Существует легенда, что 4:48 – это время, в которое Кейн покончила с собой. По словам же ее близких, именно в этот час она, находясь в депрессивном состоянии, часто просыпалась по утрам.
В 1999 году «Любимовка» пригласила «Ройал-Корт» провести серию семинаров о том, как реальность превращать в материал художественного творчества, а не просто художественно интерпретировать ее. Если бы не трагические обстоятельства, Сара Кейн присутствовала бы среди спикеров.
Пластилиновый театр
В российской драматургии рубежа веков было две крупных школы: уральская – Николая Коляды (действует по сей день на базе ЕГТИ) и тольяттинская – Вадима Леванова, сегодня уже не функционирующая, но существующая как явление. Большинство из тех, кто создавал фундамент новой драмы, относятся к первой школе. В том числе и Василий Сигарев, о котором пойдет речь.
Он родился в конце 70-х годов в селе Верхняя Салда. Это определяет эстетику, в которой он существует как драматург в своих ранних пьесах и как кинорежиссер в фильмах. Место действия большинства его пьес – небольшой замшелый город N. В пьесе «Божьи коровки возвращаются на землю» он описывает его так:
«Вначале не было здесь ничего. Потом пришёл человек и построил Город. Стали дома, улицы, площади, магазины, школы, заводы, сады коллективные. Стали улицы мощеными, а потом асфальтированными с белеными по праздникам бордюрами. Стали ходить по улицам люди, стали сидеть на лавочках, стали чихать от пуха тополиного, стали торговать семечками у заводской проходной, стали влюбляться. Стали рождаться люди - стали умирать…»
Наиболее известная его работа — пьеса «Пластилин». Ее главный персонаж, несмотря на жестокость сюжета, представлен как новый герой-романтик, который не теряет внутренней свободы даже под гнетом внешнего мира.
Сюжет
В центре – 14-летний подросток-сирота из глубинки. На протяжении всей пьесы с ним происходят ужасные вещи, с которыми справится не всякий взрослый. Его исключают из школы, унижают, избивают – и это только малая толика глыбы его мучений.
Самая страшная пьеса
Возвращаясь к сегодняшнему дню, поговорим об еще одном ученике Коляды. Он еще не выпустился из екатеринбургского театрального института, но его пьесы уже входят в шорт-листы драматургических конкурсов.
Его имя – Роман Дымшаков. Как и Сигарев, он родом из глубинки. Сам он говорит, что все его пьесы – это иллюстрация того, что он видел в детстве. Это звучит вполне безобидно, если не знать, что одна из работ Дымшакова считается самой страшной пьесой постсигаревской драматургии. Называется она «Ракитянка».
Сюжет
Главный герой только поступил в ГИТИС и собирается стать режиссером. Он приезжает в гости в родное село и встречается с друзьями детства. Вместе они развлекаются: гуляют, катаются на машине, выпивают, курят. В определенный момент попадают в дом, в котором находят девушек с детьми. Они живут в полном запустении: дом – халупа, нет ни туалета, ни воды, ничего. Но это не самое страшное. Вслед за девушками перед героями появляется сумасшедший человек маргинального вида. Нетрудно догадаться, что дальше по сюжету разворачиваются настоящие ужасы.
Именно из-за таких сцен пьесы Дымшакова до сих пор никто не решился поставить. Обыграть то, что нарушает сразу несколько законов РФ, не взялся пока ни один режиссер.
Александрина Шаклеева: «То, что сейчас не часто ставят современные пьесы, связано не с их качеством, а с трудностями их постановки»
Братья Пресняковы (Олег Михайлович Пресняков и Владимир Михайлович Пресняков, дуэт российских драматургов, писателей . – Прим. ред.) тоже учились у Николая Коляды, но не очень долго. В 1998 году при Уральском государственном университете они открыли Театр им. Кристины Орбакайте, в котором стали ставить собственные пьесы. Российская, а затем и международная известность к ним пришла в 2000-х годах, во многом благодаря спектаклям Кирилла Серебренникова («Терроризм», 2002; «Изображая жертву», 2004). Их работы показывали и на больших сценах, в том числе в МХАТе, что казалось тогда совершенно невозможным.
Именно тогда в театральной среде утвердилось понимание, что театр про всех и про все. Тем не менее, современной драматургии и репертуарному театру, как тогда, так и сейчас приходится идти на компромисс. Как сказала Александрина Шаклеева, поэтому то, что сейчас не так часто ставят современные пьесы в репертуарном театре, связано не с их качеством, а с трудностями их постановки.
Компромиссные отношения ярко иллюстрирует постановка пьесы Андрея Иванова «С училища» 2017 года (Серовский театр драмы им. А.П. Чехова, режиссер Петр Шерешевский). Спектакль был номинирован на Национальную театральную премию «Золотая маска» в 2018 году.
Сюжет
Преподаватель философии ПТУ Сергей Романович спорит с друзьями на влюбленную в него студентку Таньку. И все бы выглядело, как история о несчастной любви, если бы не ее извращенные взгляды на жизнь, ухажер-зэк Костя и священная девственность.
Пьеса практически состоит из нецензурной лексики, что не могло не затруднить ее постановку. В Серове нашли любопытное решение этой проблемы, где поставили один из наиболее известных спектаклей по этой пьесе. Специально для него Андрей Иванов создал вторую версию своей работы, подходящую для репертуарного театра, в которой заменил нецензурную лексику выдуманными словами. Так, благодаря схожести слов, зрители легко распознавали скрытую брань и понимали, о чем идет речь, а сам спектакль могли спокойно играть для широкой публики.
Не все чернуха, что новая драма
Несмотря на то, что новая драма ассоциируется только с чернухой, к этому же направлению относится и безобидный Евгений Гришковец. Хотя он всегда старается отстраниться от этого течения, утверждая, что «сам по себе». Тем не менее, он пишет с использованием тех же «новодрамовских» приемов.
Благодаря естественности и отсутствию искажения в пьесах, жанр, в котором работает Гришковец, получил название «новой искренности». Тех же убеждений драматург придерживается и на сцене: Гришковец работает в открытом приеме. Не пытается изображать своего героя, а просто обозначает, кем он является здесь и сейчас. В этом смысле он стоит у истоков популярной сегодня формы театра, в которой обыденный человек становится документом и поводом для исследования. Все это воплощается в пьесе и первом моноспектакле драматурга «Как я съел собаку» – по словам автора, это универсальная история взросления человека, воспоминания моряка о детстве, отрочестве и морской службе.
Кого же ставят?
Иван Вырыпаев, будучи еще неизвестным, работал с великим театральным педагогом Вячеславом Кокориным, который базировался на актерской технологии Михаила Чехова. Он умел цепко ухватить реальность, чему впоследствие научил и Вырыпаева.
Первые свои работы он написал, используя именно эту технологию. Например, пьеса «Сны» – это настоящий трип, который трудно понять человеку, незнакомому с наркотическими веществами. Первый спектакль, который Вырыпаеву удается вывезти в Москву, называется «Кислород». Это был 2002 год. Слава же к нему пришла позднее — с пьесой «Пьяные».
Вырыпаев относится к драматургам, которые во главу угла ставят слово. В его манифестах часто можно встретить фразы «слово – это бог», «в начале было слово». Он считает, что драматург действует с помощью слова, поэтому режиссер не должен это слово каким-либо способом интерпретировать, заменять, купировать, потому что поменяется действие, которое автор заложил именно в это слово.
Сегодня Иван Вырыпаев – один из самых репертуарных драматургов в России. Рядом с ним в этом ряду стоит Ярослава Пулинович. В 2009 году она окончила Екатеринбургский театральный институт, но уже с 2005 года ее пьесы постоянно входили в шорт-листы фестиваля драматургии «Евразия», становились лауреатами премий «Голос поколения» и «Дебют».
Одна из наиболее известных ее пьес - «Наташина мечта», которую ставили не только в российских, но и в зарубежных театрах.
Сюжет
В центре истории – две Наташи. На первый взгляд кажется, что, кроме имени, их ничто не объединяет. Одна – девочка из детского дома, лишенная любви и тепла, другая – мисс Совершенство из хорошей семьи. Но их истории говорят об обратном: такие разные, они обе мечтают о любви, счастье и чтобы «с фатой и конфетами».
Пиши, как новодрамовец
Если хорошенько присмотреться к драматургам, о которых мы рассказали, и их произведениям, можно найти у них кое-что общее. Предположительно, это и будут общие для новой драмы характерные приемы и черты:
- Изображение действительности такой, как она есть, без прикрас;
- Естественность речи, полное подражание манере общения обычного человека;
- Интерес к человеку, исследование его сущности;
- Слово – превыше всего;
- Пьеса может состояться как текст, без постановки в театре.